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Xangô, Oxóssi, Yemanjá e mais: Orixás vão virar heróis de história em quadrinhos

hadigital — Thu, 16 Feb 2017 18:28:14 +0000

‘Contos de Òrun Àiyé’ será lançado em junho.

Obá, Oxumaré, Iansã, Xangô, Oxóssi, Yemanjá, Oxum e Ossaím.

Estes são os nomes de alguns orixás, divindades criadas pelo deus supremo Olorum. Integrantes da religião iorubá – que tem origem africana e, no Brasil, é popular principalmente na Bahia -, eles vão assumir cores e feitos de super-heróis em breve. Isso porque o ilustrador baiano Hugo Canuto vai lançar, por meio de um financiamento coletivo, a HQ Contos de Òrun Àiyé. Criado em novembro, crowdfunding bateu sua meta de R$ 12 mil nas primeiras semanas e foi encerrado com o apoio de 816 pessoase R$ 40 mil de arrecadação.

Apaixonado por cultura brasileira e histórias em quadrinhos, Canuto ganhou popularidade no ano passado após uma homenagem sua à Jack Kirby, fundador da Marvel, viralizar na internet.Tratava-se de uma recriação de uma capa clássica de Os Vingadores, que trazia Ogum no lugar do capitão América e Oxaguiã na mesma pose do Homem de Ferro. O sucesso de likes e compartilhamentos da homenagem, batizada de The Orixás, impulsionou o ilustrador a criar capas fictícias para cada orixá e, na sequência, desenvolver um projeto com maior profundidade.

Canuto contou ao UOL alguns detalhes do enredo de Contos de Òrun Àiyé“:

“A história que eu estou construindo se situa no tempo lendário, no passado mítico, em que céu [Òrun] e terra [Àiye] é um só. Não tem como ser maniqueísta. Eles são muitos complexos, não se reduzem a bom e ruim.”

E revelou que a intenção do projeto é também minimizar a visão preconceituosa que muitas pessoas têm a respeito de religiões afro-brasileiras.

“Quero trazer esse universo para uma mídia que ainda é muito eurocêntrica, muito ligada a temas norte-americanos. Trazer algo que é tão vítima de preconceito, que é combatida por movimentos reacionários, para uma linguagem diferente e fazer com que as pessoas olhem de outra maneira. Fiz uma ponte entre duas realidades.”

O preconceito pode ser um empecilho para a HQ caia nas graças do grande público. Para Canuto, isso não parece ser uma preocupação. Ao jornal O Globo ele disse:

Sei que algumas pessoas demonizam e atacam a cultura afro-brasileira. Mas, como artista, não posso deixar de realizar esse trabalho por conta de visões exclusivas da realidade.

O lançamento de Contos de Òrun Àiyé está previsto para junho. Para acompanhar as novidades da HQ, basta acompanhar a página oficial no Facebook.

Fonte: HuffPost Brasil. Disponível em: http://www.huffpostbrasil.com/2017/02/15/xango-oxossi-yemanja-e-mais-hq-transforma-orixas-em-super-her_a_21714923/. Acesso em 15 fev 2017.

A arte urbana, irreverente e subversiva de Banksy

hadigital — Thu, 16 Feb 2017 18:10:52 +0000

Quem disse que é preciso ser famoso para fazer sucesso? Apesar do aparente paradoxo, o grafiteiro Banksy se encaixa no perfil de artista que todo mundo conhece, mas ninguém sabe exatamente quem é. Seus grafites e intervenções urbanas são internacionalmente notórias, mas até hoje sua real identidade permanece em segredo. Autor de diversas obras carregadas de críticas ao modelo capitalista (e da pra perceber que ele possui uma “amor” especial pelos EUA), à guerra e à desigualdade, seu anonimato torna-se compreensível na proporção de sua criatividade.

A começar pela sua especialidade, o grafite, que por si só representa a quebra da ordem na sociedade civilizada: se faz em lugares pouco propícios, retrata o inconsciente coletivo e cada vez mais – seja como forma de expressão artística, de denúncia social ou de ambos os aspectos – se solidifica como parte do cenário urbano.

Tal cenário é a principal tela de pintura de Banksy, que se apropria desde pequenas fendas nos muros de becos londrinos até visíveis fachadas de construções abandonadas. Mas o melhor é que sua arte-denuncia não se restringe ao desenho: suas ideias também são representadas em forma de esculturas, distribuídas até nos lugares mais improváveis (como quando ele colocou uma réplica de um guerreiro de Guantánamo em um dos parque de diversão da Disney, em 2006).

Além de seu talento artístico e criativo, as obras de Banksy possuem aquela válvula de escape para elementos da sociedade com os quais convivemos – e ao mesmo tempo detestamos. É como se o “proibido” de repente tivesse assumido criativamente diferentes formas. Suas gravuras chocam pelo teor de realista, mas ao mesmo tempo transmitem a graça que qualquer obra de arte proporciona àqueles que a admiram bem de perto. Com aquele toque a mais de crítica, é claro.

Fonte: Rapadura Cult. Texto de Nathalie Bonome, in avantecultura.blogspot.com.br. Disponível em: http://rapaduracult.blogspot.com.br/2012/12/a-brilhante-arte-subversiva-de-banksy.html. Acesso em 15 fev 2017.

Roberto Burle Marx: um mestre muito além do paisagista modernista

hadigital — Wed, 24 Aug 2016 01:14:29 +0000

Ao caminhar pela exposição Roberto Burle Marx: modernista brasileira no Museu Judaico de Nova York, pode-se ouvir um suave barulho das ondas, misturado com o murmúrio de uma multidão ao ar livre. Uma narração em português, falada e cantada, flutua levemente indo e voltando. Essa é a paisagem sonora de Plages, um vídeo de 2001 do artista Dominique Gonzalez-Foerster. Filmado de uma perspectiva aérea sobre Copacabana, o filme mostra a popular orla do Rio de Janeiro não no seu habitual esplendor iluminada pelo sol, mas iluminada artificialmente, na celebração do ano novo de 2000. O público abunda no espaço entre a cidade e o oceano, no momento entre um ano e o próximo, movendo-se em padrões dinâmicos em meio aos imensos projetos de Roberto Burle Marx.

Por quase meio século, as vastas superfícies de mosaicos de Copacabana animaram a orla carioca. Plages, no entanto, revela pouco do seu ambiente icônico. Somente vislumbres das linhas sedutoras que se movem para cima e para baixo no calçadão são capturadas no filme. A trilha sonora ambiente adiciona muito a essa última apreciação do designer do calçadão de Copacabana, e o vídeo de Gonzalez-Foerster está entre as diversas obras em exposição que não são de autoria de Burle Marx. São adições contemporâneas que funcionam como interpretações do que a exposição reconhecidamente não pode tornar presente – os próprios jardins e paisagens. Em uma exposição preenchida com pinturas figurativas e abstratas, plantas brilhantes e policromáticas e maquetes escultóricas, é fácil perder o senso do material que Burle Marx, através de centenas de obras encomendadas, de forma tão eficaz, domina: espaços exteriores e, muitas vezes, públicos. O leve ruído de Plages restaura um pouco da dimensão espacial que escapa aos desenhos e maquetes, que muitas vezes representam a obra de Burle Marx.

Variedade torna-se, assim, uma das mensagens mais óbvias evidenciadas através dos objetos reunidos no corredor. No esforço de inspirar uma nova onda de interesse em Burle Marx, os curadores Jens Hoffmann e Claudia J. Nahson procuraram retratá-lo como muito mais do que o arquiteto paisagista inigualável que revolucionou os projetos latino-americanos ao lado de arquitetos inovadores como Lúcio Costa e Oscar Niemeyer. Como o título da exposição sugere, Burle Marx pode ser mais apropriadamente considerado um multifacetado “modernista”, um indivíduo cuja capacidade para aplicar-se a uma variedade de projetos permitiu-lhe imaginar e realmente incorporar o moderno, seja o que isso pode significar. A reivindicação principal da mostra é que a prática artística expandida de Burle Marx era essencial, e não acessória, às suas inovações em projetos paisagísticos.

Como o texto introdutório da mostra reconhece de imediato, Burle Marx continua sendo uma figura cultural marginalmente reconhecida fora do Brasil. Apesar de ter deixado para trás um portfólio repleto de projetos — sua mais famosa comissão concluída nos Estados Unidos foi o Biscayne Boulevard, e apesar de sempre figurar na literatura sobre arquitetura modernista latino-americana, em constante expansão, Burle Marx ainda não atraiu o tipo de crítica e análise que geralmente deriva de figuras com tamanha influência. Por conseguinte, esta última exposição enfrenta um dilema interessante: Pode uma audiência relativamente pouco familiarizada com Burle Marx não realizar a avaliação limitada de sua prática projetual e, simplesmente, apreciar a pluralidade de suas atividades artísticas?

A exposição alega que isso é realmente possível e que uma visão mais ampliada do paisagista é a mais verdadeira. Ela orienta os visitantes através de uma miríade de campos e temas que foram puxados à órbita de Burle Marx: Um volume preservado de uma revista alemã de jardinagem significa sua fascinação precoce com a botânica; retratos pendurados de membros da família ilustram detalhes biográficos, ao mesmo tempo que se referem a um estudo, ao longo da vida, de desenho e pintura; símbolos de suas incursões na concepção de conjuntos teatrais, trajes, tapeçarias e jóias alinham-se nas paredes da galeria e enchem vitrines ao lado de desenhos vibrantes de parques e jardins. Juntos, esses objetos sugerem uma mente ágil, que transitou livremente entre os campos. Induz, também, os visitantes a encontrarem semelhanças e diferenças através dos ambientes, para observarem mudanças em meios de expressão, enquanto desenvolvem uma sensação das qualidades essenciais de Burle Marx, intuído de conectar este cosmos opulento.

Diante de tanta variedade, é tentador fixar-se em semelhanças superficiais entre os objetos, patinar sobre os detalhes e procurar uma tendência geral. À primeira vista, a carreira de Burle Marx pode parecer ter tido o clímax na metade do século XX, com o desenvolvimento de uma abstração arrojada e voluptuosa que invocou direções contemporâneas na pintura, antecipou as linhas sinuosas da arquitetura brasileira à la Niemeyer, e culminou em alguns de seus projetos de jardins mais famosos. Ao longo destas linhas, o paisagismo de Burle Marx para o Ministério da Educação e Saúde do Rio de Janeiro, de 1938, se presta a representar uma ruptura para o projeto moderno. Os jardins do projeto altamente publicizado – uma comissão importante para o jovem pintor, que se tornou paisagista – encapsula elegantemente a rejeição da simetria e a recontextualização de figura e fundo, que veio a conotar o Modernismo. O jardim na cobertura do edifício, por exemplo, mostra como Burle Marx transformou o passeio tradicional em um elemento de composição dinâmica, uma entidade vagamente orgânica que separa e conecta ilhas amorfas de vegetação.

O desenho a guache deste jardim na cobertura é mostrado de muitas maneiras. Com conexões, bolhas policromáticas, imaculadamente pintadas sem a adição de textos ou outros sistemas de notação, é uma das peças mais atraentes na exposição. No entanto, uma fotografia do projeto, uma das poucas na exposição – revela que os tons vibrantes do desenho bidimensional não correspondem à coloração do jardim real. Enquanto Burle Marx foi amplamente reconhecido por sua tendência de agrupar a flora em imensos borrões monocromáticos, apresentando plantas como o pigmento de uma pintura de grande porte, a fotografia descreve apenas tons variados de verde no emaranhado de gramas e folhagens, contrastando nitidamente contra faixas de seixos cinza-claros.

Considerando sua formação inicial como pintor, juntamente com os dois anos que passou absorvendo a era de Weimar, dos artistas visuais de Berlim, pode-se argumentar que Burle Marx aplicou a abstração moderna e pictórica a outros campos, como projetos de jardins e, ao fazê-lo, anunciou a chegada da arquitetura paisagística modernista. Ainda que o desenho a guache da cobertura do Ministério da Educação e Saúde do Rio de Janeiro, descrito como “tanto uma planta de jardim, como uma pintura abstrata”, sugere uma narrativa mais matizada. Ao deixar discrepâncias óbvias entre o jardim e sua representação gráfica, Burle Marx parecia reconhecer que a interação de tons e formas que animam uma pintura não é precisamente a mesma interação elemental que anima uma paisagem, ou uma obra de qualquer outro meio. O desafio dos arquitetos paisagistas é duplo, pelo menos: Eles devem compreender não só as especificidades geográficas de cada local, mas também as especificidades materiais de cada forma de arte usada para imaginar e representar esses locais.

Este pode ser o tema mais profundo da exposição e sua ênfase sobre a heterogeneidade das atividades de Burle Marx: Em vez de refletir uma compulsão em utilizar outras artes para reforçar a evolução da pintura ocidental, a obra de Burle Marx parece apoiar uma ampla investigação de materialidade, uma busca ao longo da vida para os termos exclusivos de cada meio com o qual ele se envolveu. Ele escalou sua abordagem composicional com notável destreza. Sua sensibilidade estética aplicada a capas de revistas, jardins suspensos, itens preciosos de jóias, bem como esculturas públicas ousadas. O espectador, no entanto, deve ter o cuidado ao estudar os materiais e contextos que os distinguem.

Esta sensibilidade material é o que impulsionou a carreira de Burle Marx como um arquiteto paisagista. Ele é muito reconhecido em seu uso da flora nativa em seus projetos de jardins: Burle Marx trabalhou para identificar e cultivar a vegetação tropical pouco estudada no Brasil (descobriu quase 50 espécies), enquadrando plantas nativas em arranjos que lhes deram novo significado. Sua consideração para uma visão ampliada da natureza, e não apenas suas espécies mais valorizadas historicamente – contribuíram na sua luta pioneira em prol da preservação ecológica. Ao mesmo tempo, Burle Marx utilizou livremente elementos não orgânicos e sintéticos, transformando locais com esculturas de concreto, ladrilhos cerâmicos e imensas áreas de minerais coloridos, como no jardim do último andar da sede doBanco Safra, em São Paulo. Nestes gestos, ele deixou claro que os materiais de confecção de jardins mudaram: O homem moderno construiu jardins do Edens em miniatura sobre arranha-céus, estradas pavimentadas ao lado de litorais sublimes, e derrubou e queimou florestas em nome do progresso. Um jardim moderno, por sua vez, não podia ignorar estes aspectos do zeitgeist. Absorve isso – canibalizando-os, usando o termo do poeta brasileiro e teórico incidental do modernismo brasileiro, Oswald de Andrade – e, consequentemente, produzindo algo provocativo e novo.

Da mesma forma, a exposição admite as condições de seu local, por assim dizer. Os curadores reconhecem as dificuldades de comunicar as experiências do espaço, este meio efêmero composto de tantos fatos e condições que inerentemente não existem em outros lugares. Dada sua escala dispersa e instabilidade orgânica, as paisagens e jardins são particularmente resistentes aos meios estabelecidos de representação. No lugar da apresentação excessiva de fotografias para auxiliar na imaginação das paisagens de Burle Marx, a exposição recrutou sete artistas contemporâneos para interpretarem seu legado. Estas contribuições, que incluem peças de cerâmica inspiradas pela obra de Burle Marx com azulejos, pinturas de livros publicados sobre o arquiteto paisagista, e algumas impressões fotográficas em grande escala de seus jardins, na maior parte das vezes fracassam em meio ao deslumbrante conjunto de objetos concebidos por Burle Marx. Plages pode ser considerada uma peça de destaque que contribui para a ecologia da exposição. A conversa coletiva de um povo e seu lugar, reunidos em um momento transitório, inspira um maravilhamento e uma excitação que pode chegar próximo do que Burle Marx sentiu em seu próprio tempo.

Esse artigo foi publicado originalmente pela Revista Metropolis, como “Green Thumb.”

Diponível em: ArchDaily.

Garden of the Edmundo Cavenellas residence, now the Gilberto Strunk residence, Petropolis, designed by Roberto Burle Marx, 1954.

Roberto Burle Marx, Untitled, possibly a Carnival study, 1967 or after, gouache and collage on paper. (55.2 ◊ 107 cm). SÌtio Roberto Burle Marx, Rio de Janeiro.
Image provided by SÌtio Roberto Burle Marx, Rio de Janeiro. Photograph by Isabella Matheus.

Roberto Burle Marx pintando, paisagista

Em tempos de Olimpíadas, a bela fotografia de David Burnett

hadigital — Mon, 15 Aug 2016 13:51:45 +0000

Atletas olímpicos com seus incríveis feitos de força, velocidade e forma física são impressionantes em ação. O fotógrafo americano David Burnett sabe disso, e passa muitos anos de sua vida capturando imagens que retratassem tais momentos. As fotos começaram a ser feitas quando Burnett passou a fazer parte da equipe de fotografia do museu do comitê Olímpico. Foi dada a ele a liberdade para que usasse o equipamento que quisesse. E, ao contrário da maioria dos fotógrafos atuais, que usam lentes de milhares de dólares e câmeras conectadas à internet, ele optou por câmeras fabricadas há mais de 50 anos, entre elas uma Graflex Speed Graphic 4×5 e uma Holga. “Quem é aquele senhor com aquela câmera antiga?”, é o que costuma ouvir por onde anda. Quando perguntado pelo site “Lomography” sobre o motivo de trabalhar à moda antiga, respondeu: “É como decidir fotografar os jogos com os dois braços amarrados. Qual o sentido? Só estou tentando fazer algo que deixe as fotos um pouco mais especiais para mim.”

Enquanto ele anda por aqui em busca de cliques impressionantes das Olimpíadas do Rio – ele divide seus cliques em tempo real pelo Twitter -, seu material acumulado até então deu origem à série “Man Without Gravity”, em cartaz na galeria de arte Anastasia Photo, em Nova York, que reúne imagens feitas desde 1984 durante diversos jogos olímpicos. “É uma questão de sorte, de não estragar tudo, e de tentar estar pronto para algum momento se acontecer de estar no lugar certo”, disse Burnett em entrevista ao “New York Times” em 2012. E segue uma curiosidade: ele raramente vê as modalidades que fotografa, entre elas saltos ornamentais, hóquei e nado sincronizado, fora do torneio olímpico. “Minha missão, eu sinto, é estudar o esporte, o movimento, os jogadores e capturar imagens que os espectadores não possam testemunhar simplesmente sentados observando os jogos”, disse Burnett em um comunicado.

Fonte: Glamurama

MBO, um baiano do Recôncavo que, aos 86 anos, é um dos mais expressivos artistas Naifs do Brasil

hadigital — Tue, 02 Aug 2016 15:13:05 +0000

Seu Manoel é jovem senhor do Recôncavo da Bahia. Um homem da terra, dos artefatos manufaturados, da alvorada do dia, da cozinha com cheiro de café; da vida simples, enfim. Em 2004, aos 74 anos, no período de convalescença de uma tuberculose, começou a pintar. As telas, pincéis e tintas foram o suporte para materializar toda beleza e sabedoria de MBO. Aos 86 anos, acumula, ao longo dos 12 anos de trajetória artística, premiações, bienais e participações em mostras coletivas, individuais e até mesmo performances. Com curadoria, montagem e produção de Ieda Oliveira, artista visual e filha de MBO, a cidade de Ubaíra recebeu a segunda mostra de arte da história da cidade, intitulada Ventania em Movimento no Vale do Jiquiriçá, do Edital Calendário das Artes 2014, promovido pela Fundação Cultural do Estado da Bahia. A primeira mostra de arte nesta cidade também foi de MBO, pelo mesmo edital, mas no ano de 2012. Ainda em 2016, participará, pela segunda vez, da Bienal Naifs do Brasil, que será inaugurada em 19 de agosto.

No dia 30 de julho, MBO inaugurou, em sua Casa Atelier, em Ubaíra, a mostra individual Ventania em Movimento no Vale do Jiquiriçá, projeto premiado no edital Calendário das Artes 2014, promovido pela Fundação Cultural do Estado da Bahia. Nesta mostra, que segue até dia 31 de agosto, estão expostas centenas de pinturas realizadas em suportes variados, proporcionando à comunidade de Ubaíra o acesso à arte contemporânea produzida em território nacional. Esta mostra individual, somada à trajetória do artista, premiado e reconhecido no contexto artístico e contemporâneo brasileiro, difunde nacionalmente o município de Ubaíra, onde MBO vive, produz e expõe, pela segunda vez, em sua Casa Atelier. As repercussões deste acontecimento são indissociáveis do contexto onde o artista vive e produz, pois sua arte é expressão deste espaço, também, certamente.

Quem escreve um pouco mais sobre sua vida e obra, e a exposição Ventania em Movimento do Vale do Jiquiriçá é a artista visual Virgínia de Medeiros, responsável pelo texto do catálogo:

“M.B.O. é um homem do Recôncavo Baiano, de estreita ligação com a paisagem repleta de místicas cores e seres fabulosos: a paisagem rural. Esta ligação é a característica essencial de toda a sua obra, anima por seres fantásticos que nos surpreende em composições carregadas de vibração e alegria. Em 12 anos de trajetória, M.B.O. produziu centenas de pinturas que expressam um mundo onírico, exótico e libertador. Livre de contingências exteriores, nos aproxima do sublime e do espiritual na arte. Para um artista que iniciou sua prática pictórica aos 74 anos, esta vasta produção revela que seu percurso criativo é embalado pelo fascínio da pintura. Uma produção que vem se destacando com premiações e exibições em diversos Salões de Artes e Bienais. Em 2004, M.B.O. foi para a cidade de Salvador tratar uma tuberculose. Tirar um homem do campo, de vasto horizonte e contemplativo silêncio, para um ambiente doméstico e urbano é árduo.

Nesse momento de fragilidade, sua filha, minha grande amiga e extraordinária artista visual, Ieda Oliveira, fez ventania na vida de Seu Manoel. Apresentou tintas, pinceis e deu as mãos ao pai, convidando-o para caminhar pelas passagens internas que tanto alimenta a sua arte. Seu Manoel vacilou: “a artista aqui é você, eu não levo jeito, minha filha.” Mas, num segundo momento, respirou fundo, tomou fôlego novo e transpôs seus limites. Seu Manoel mergulhou fundo na atmosfera repousando da sua intimidade, percebeu o sopro da criação e compreendeu que a cor pode aquecer, esfriar, expulsar a escuridão e preencher os dias num espetáculo divertido. Toda recuperação foi realizada na brisa desse vento que fortaleceu, animou e deu nova direção à vida de Seu Manoel.

Após essa experiência, a força do interesse pela artes em Seu Manoel só cresceu e fez aflorar o artista M.B.O. Ventania em Movimento do Jiquiriçá apresenta um retrospectiva do artista, os 12 anos de criação e a certeza que a expressão artística é um atributo da natureza humana. Conectar com este canal é uma maneira criativa de superação de obstáculos, conflitos e de autoconhecimento. M.B.O. enriquecendo a sua vida e a nossa, descortinando um mundo de amarelos-vivo, vermelhos-laca, verdes-cromo, azuis-turquesa e seres inimagináveis que nos faz vibrar na órbita traquina das cores”.

Abaixo selecionamos algumas imagens da montagem da exposição e da família de MBO, contexto e pessoais que são parte fundamentel de sua vida e obra.

Fotos: Jonathas Medeiros e Tiago Nery

Ieda Oliveira e D. Eunice, filha e esposa de seu Manoel, respectivamente

Ieda Oliveira, artista visual, filha de MBO, responsável pela curadoria, montagem e produção da exposição

O quarto do casal

O quarto do santo, um clássico presente em muitas casas no interior da Bahia

Obama, o valente guardião da Casa Atelier de MBO e D. Eunice, em Ubaíra, Bahia

Mini, a doce irmã de Obama, igualmente guardiã da casa e do casal MBO e D. Eunice

Trabalho vencedor do Prêmio Fundação Cultural do Estado da Bahia, na abertura do Salão de Artes Visuais de Valença

O Homem de Aço e a Mulher de Vidro (Performance – MBO e Ieda Oliveira) Av. Carlos Gomes e Largo 2 de Julho, Salvador, Bahia, Brasil.

Painel com 7 telas de 40 cm x 1 m, obra que será apresentada no dia 19 de agosto de 2016, na abertura da Bienal Naifs do Brasil, em Piracicaba

O Maravilhoso Mundo de Philippe Starck!

hadigital — Tue, 19 Jul 2016 03:51:55 +0000

Philippe Starck é um famoso designer nascido em Paris. Ele atua na parte de design de interiores e, principalmente, em design de produtos. Suas criações vão de cadeiras a escovas de dente, passando por produtos eletrônicos. Ele se tornou conhecido em 1982, quando decorou o apartamento do ex-presidente francês François Miterrand. Starck costuma chocar em seus projetos de interiores. Pensa nos mínimos detalhes e, geralmente, há muito para se absorver em seus ambientes. Mistura cores, texturas e materias sem medo do ridículo e do excesso. No Brasil, é autor do emblemático Hotel Fasano, em Ipanema, no Rio de Janeiro, com formas simples, mas excessivamente arrojado, contemporâneo e luxuoso!

Sempre que descobrimos um objeto ou um lugar projetado por Philippe Starck, entramos num mundo de parede a parede, imaginação, fantasia e surpresas fabuloso. Por mais de três décadas, este único e multifacetado criador, designer e arquiteto tem sido uma parte de nossas vidas diárias, criando objetos não convencionais, cuja finalidade é ser “bom” antes de ser bonita; destinos emblemáticos, que levam os membros de seu ” tribo cultural “fora de si e, mais importante, em direção a algo melhor.

Seu pai, um inventor e engenheiro aeronáutico, deu o jovem Philippe Starck o desejo de criar e a capacidade de sonhar. Vários anos e vários protótipos depois, ele foi contratado para trabalhar para o presidente François Mitterrand. Este também foi quando ele começou a desenhar móveis para principais empresas italianas e internacionais.

Philippe Starck projeta seus hotéis e restaurantes da mesma forma que um diretor faz um filme. Ele desenvolve cenários que irão retirar as pessoas do cotidiano e em um mundo de imaginação e criatividade mental. Seus hotéis se tornaram ícones atemporais e acrescentaram uma nova dimensão à paisagem urbana global. Através do conceito de Philippe Starck de “design democrático” – aumentar osobjetos de qualidade a preços mais baixos para que mais pessoas possam desfrutar do melhor – ele era uma voz solitária no momento em que projeto foi voltado exclusivamente para uma elite.

Há poucas áreas de design por ele não exploradas: desde móveis a encomenda postal casas, motos para mega-iates, e direção artística para o espaço, mesmo viagens de projetos, para citar apenas alguns.Philippe Starck acreditava no longo verde antes de a ecologia virar moda, por respeito para o futuro do planeta. Logo no início, ele criou o catálogo de Mercadorias Boa de não-produtos para não-consumidores no mercado moral de amanhã, e montou sua empresa própria de comida orgânica. Mais recentemente, ele desenvolveu o revolucionário conceito de “ecologia democrática“, criando turbinas eólicas acessíveis para a casa, que em breve será seguido por energia solar barcos e carros de hidrogênio.

Philippe Starck é um cidadão incansável e rebelde do mundo, que considera seu dever de partilhar a sua visão ética e subversivo de um mundo mais justo. Ele permanece em sintonia com os nossos sonhos, desejos e necessidades – às vezes antes de chegarmos lá nós mesmos – fazendo seu trabalho um ato político e cívico que ele realiza com amor, poesia e humor.

Fontes adaptadas: Limão na Água e Way Design.

Os 50 anos da arte de Eckenberger, o irônico, exagerado, excessivo e transgressor artista, em mostra na Caixa Cultural Salvador

hadigital — Sat, 16 Jul 2016 02:09:28 +0000

O artista plástico argentino radicado na Bahia Reinaldo Eckenberger, 77, comemora 50 anos de trajetória profissional com exposição, pensada como uma instalação, que esbanja criatividade. Pintor, desenhista, gravador, escultor e ceramista, Reinaldo Eckenberger (1938: Buenos Aires, Argentina), possui trabalhos “irônicos e transgressores”. Recebeu influências da pop art e do expressionismo, mas sua obra permanece impossível de classificar como orientação estética. Esbanjar, aliás, é um termo bem apropriado para Eckenberger, que tem como estilo a acumulação, o excesso, o exagero que aparecem como características de sua obra em desenhos, pinturas, assemblages (colagens com objetos tridimensionais), objetos, esculturas, cerâmicas e bonecas de pano.

A mostra, que passeia pelas cinco décadas de produção do artista, será aberta quinta-feira, 14/07, às 19h, na Caixa Cultural Salvador. O público baiano deverá se encantar e fazer diferentes leituras das 500 peças do artista na mostra, que abre oficialmente para visitação, de amanhã até o dia 21 de agosto, sempre de terça a domingo, das 9h às 18h. E vale mesmo agendar esta exposição, que tem curadoria da jornalista e mestre em artes visuais Luciana Accioly e do poeta e editor Claudius Portugal.

Pode também ver como Eckenberger traz o erótico (os falos estão incluídos em sua obra). “Sou de Escorpião. Gosto de sexo”, diz bem humorado o artista, que não se prende ao convencionalismo e tabus.”Cenas de sexo oral, carícias íntimas, perversão, além do fetiche por elementos como o pênis, a língua em riste, o nariz em forma de falo e os olhos expressivos, são recorrentes nos desenhos, pinturas, gravuras, cerâmicas, objetos e trabalhos em tecido de Eckenberger”, depõe Luciana Accioly, no artigo O Erotismo em Reinaldo Eckenberger. A jornalista obteve mestrado em artes visuais na Ufba com a dissertação A Poética de Trapos de Reinaldo Eckenberger.

Como artista plural, entretanto, Eckenberger também traz na sua obra muito sentimento. São recorrentes as bonecas de pano representando mãe e filho ou insinuando incesto – sentimento edipiano? Quem sabe…. Filho de alemães “não nazistas”, como gosta de frisar, Eckenberger diz que pouco conheceu o pai e conta que sua mãe lhe tinha amor excessivo. “Reconheço em minha obra a tendência da acumulação. O horror ao vazio”, frisa. No artigo O universo criativo de Reinaldo Eckenberger o também artista Juarez Paraíso entende a alma deste profissional singular e plural, múltiplo e único.

“A acumulação é uma característica definitiva nos trabalhos de Eckenberger, numa demonstração de horror vacui. A sua recusa ao vazio é um gesto compulsivo e obsessivamente constante….”, ressalta Juarez. Vale lembar que Eckenberger fez sua primeira exposição, Luxo e Lixo, Lixo e Luxo, na capital baiana, em 1966, um ano antes de sua chegada a Salvador, encantado pelo barroco. A mostra foi considerada por Juarez Paraíso a primeira de arte pop realizada na Bahia. Eckenberger acabou sendo premiado na I Bienal da Bahia, no mesmo ano.

Arquitetura e teatro

Eckenberger conta que não concluiu, mas estudou arquitetura, artes plásticas e artes cênicas – ele criou cenários e se enveredou pelas marionetes e, depois, bonecões.Pois bem, além de teatrinhos, o visitante vê na obra dele a dramaticidade, o grotesco e algo da suntuosidade da ópera, além da comicidade da commedia dell’arte. Vale mesmo agendar.

Cronologia:

Final da década de 1950 – Estudou arquitetura, mas optou posteriormente pelas artes visuais. Frequentou a Escola Superior de Belas Artes de sua cidade natal, onde realizou a primeira individual (1956). Fez curso de cenografia no TeatroTeatro Colón, da capital argentina.
1964 – Veio para o Brasil.
1965 – Foi residir em Salvador e, no ano seguinte, obteve 1º Prêmio de pintura na 1ª Bienal de Artes Plásticas, realizada naquela cidade. Nascido na Argentina e tendo vivido em países europeus, foi na Bahia que Reinaldo criou raízes, afirmando: “(…) só uma cidade barroca como Salvador poderia melhor abrigar o barroquismo de minha arte”.
2008 – Mostra Eckenberger, Obras 1965 – 2008, no Palacete Rodin das Artes, Salvador, com curadoria de Dimitri Ganzelevitch.

Entre outras, participou das seguintes mostras coletivas:
1966 – Bienal Nacional de Artes Plásticas, Salvador, BA
1967 – Salão de Arte Contemporânea de Campinas, SP; Bienal Internacional de São Paulo, SP.
1972, 26, 77 – Museu de Arte Moderna, São Paulo, SP.
1985 – Salão Paulista de Arte Contemporânea, Fundação Bienal, São Paulo, SP.
1994 e 95 – Museu de Arte Moderna, Salvador, BA.
1999 – 100 Artistas Plásticos da Bahia, Museu de Arte Sacra, Salvador, BA.
1999 – Arte Salvador 450 Anos, Museu Histórico, Rio de Janeiro, RJ.

Fontes adaptadas:
A Tarde Online, texto de Eduarda Uzeda;
PONTUAL, Roberto. Dicionário das artes plásticas no Brasil. Civilização Brasileira, 1969

Foto: Raul Spinassé | Ag. A TARDE

As ousadas e irreverentes cadeiras de Verner Panton

hadigital — Thu, 14 Jul 2016 02:26:42 +0000

Verner Panton foi um dos mais memoráveis talentos do século XX no design e na Arquitetura. Um visionário, Panton foi o primeiro a criar o mobiliário inflável, e pioneiro em sua peça mais aclamada: a cadeira em plástico inteiriço, a Panton Chair. Ícone do futurismo no design, Panton sempre preferia cores exóticas e vibrantes, e utilizava os mais diferentes materiais em suas criações, em especial o plástico.

Além da Panton Chair, um grande ponto de virada na carreira de Verner Panton foram as aclamadas Fantasy Landscapes. Em 1968, durante a Feira Internacional de Design de Colônia, na Alemanha, Panton foi o convidado da gigante alemã Bayer para criar um ambiente que funcionasse paralelamente á feira principal. Todos os anos, um barco percorria os canais da cidade com uma instalação arquitetônica de um grande artista da época. Em 68, Panton criou uma instalação recheada de formas orgânicas e cores vibrantes, que ele chamou de Dralon. Tamanho foi o sucesso e o interesse das pessoas pela instalação tão diferente e inusitada para a época, que Panton voltou á Feira Internacional em 70, com uma instalação chamada de Visiona II. As instalações entraram para a história do design, apontadas como um dos mais marcantes projetos de arquitetura de interiores da segunda metade do século XX, e é um dos mais importantes trabalhos da carreira de Panton.

Há mais de 50 anos, o dinamarquês Verner Panton (1926-1998) graduado em Arquitetura na Academy of Art de Copenhagen, revolucionou o design da era pré-tecnológica. As formas geométricas fluidas e sinuosas,cores e estilo de suas cadeiras inovaram o mercado de maneira ainda insuperada.Panton foi um mestre do design de mobiliário e interiores e trabalhou de forma autônoma por inúmeros países europeus.Suas peças são atemporais que ao observá-los poderíamos dizer que foram projetadas por designers do século 21, como Phillipe Starck ou Karim Hashid.

Verner Panton iniciou, sob influência do design de mobiliário italiano e norte-americano e do movimento artístico Pop Arte , uma espécie derevolução pop no mobiliário de sua época (a partir dos anos 50).Seus trabalhos com plástico,poliuretano, espuma (entre outros materiais) dão um tom lúdico ás peças, quebram a rigidez, os ângulos retos…o discreto. Para ele, era inconcebível sentar num sofá bege e quadrado.Peças como a cadeira “Cone” (1958), desafia a lei da gravidade (o apoio é centrado no ponto mais estreito da base).

De 1950 a 1952 trabalhou com Arne Jacobsen, contribuindo para o design da legendária cadeira “The Ant”. Mais tarde, chegando nos anos 60, é lançada a famosa cadeira “Panton” que se tornou um ícone da Arte Pop.Seu projeto foi desenhado em 1955 e consistia numa cadeira em forma de S, cuja liberdade era exatamente o lema da década que fora lançada.Nasceu então, a primeira cadeira de plástico, feita de uma só peça, unificada no material e na forma.

Além da sofisticação e inovação, seus projetos tem humor.As cores e os formatos de suas cadeiras, luminárias e outras peças brincam com a nossa imaginação e são incrivelmente versáteis.O trabalho de Panton é merecidamente reconhecido em todo o mundo e influencia e inspira a nova geração de designers do amanhã. Panton via um futuro colorido e de alegra para o mundo. Não impunha limites ou obstáculos de uma visão demasiadamente série e adulta da vida, mas ao contrário: ele olhava e imaginava o mundo a partir do ponto de vista de uma criança, sempre com bonitas e chamativas cores e formas. Ele nos deixou cedo, em 1998, aos 72 anos.

Fontes adapatadas: Portal Arquitetura e Blog da Herança Cultural.

Cuidado ao entrar no Fantástico Mundo de Jaime Hayón!

hadigital — Thu, 07 Jul 2016 04:47:31 +0000

Com exposições individuais em importantes espaços como a Aram Gallery de Londres, o Salão do Móvel de Milão, o Vitra Museum na Alemanha, a Vivid Gallery de Rotterdam, o Gronginger Museum na Holanda e a Basel Art Fair, o trabalho de Jaime Hayón é atualmente reconhecido como um dos principais exemplos de como a arte pode encontrar o design, já tendo atraído a atenção de diversos colecionadores de prestígio.

O artista e designer espanhol nasceu em Madri em 1974. Quando adolescente, encantou-se com a cultura do grafitti e do skate, influências que podem ser percebidas em seu trabalho até os dias de hoje. Em 1997, depois de estudar design industrial em Madri e Paris, começou a trabalhar com a lenda da publicidade Oliveiro Toscani na renomada Fabrica, centro de design comandado pela Benetton. Em um curto período de tempo, seu brilhantismo lhe rendeu uma promoção: de estudante a chefe do departamento de design.

Oito anos e muitas experiências depois, Jaime sentiu que já era hora de montar seu próprio negócio. Lançou coleções de toy art, cerâmicas e móveis, também trabalhando com design de interior e instalações. Sua visão de arte singular foi exposta pela primeira vez na mostra “Mediterranean Digital Baroque”, na galeria londrina David Gill. Tratava-se de uma instalação toda executada em cerâmica, um dos grandes talentos de Hayón.

Logo depois veio a mostra “Mon Cirque”, que passou por Frankfurt, Barcelona, Paris e Kuala Lumpur. Essas exposições colocaram Jaime na vanguarda de uma nova escola de artistas que ultrapassavam os conceitos de arte, decoração e design. O movimento gerou uma nova valorização de objetos de design complexos e perfeitamente executados.

O grande conhecimento das técnicas artesanais, somado a uma criatividade única, fez com que Jaime explorasse como poucos os limites dos materiais e objetos, resultando em coleções para clientes tão diversos como ArtQuitect (banheiros), Established & Sons e Moooi (móveis domésticos), Metalarte e Swarovski (luminárias), Berhardt Design (tecidos), Piper Heidsieck (champagnes), Gaia & Gino (vasos) e Bosa Ceramiche (objetos de cerâmica).

Jaime atualmente mora em Londres e tem escritórios em Barcelona e Treviso. Seu trabalho já apareceu nas mais renomadas publicações de arte e design do mundo. Entre os prêmios que já ganhou, estão os de Melhor Instalação pela Icon Magazine, Artista Revelação pela Wallpaper e o Elle Deco International Award em 2006. Em 2008 Jaime foi o artista mais novo da história a ser convidado de honra da Bienal de Interiores da Bélgica.

Fonte: Núcleo Goiano de Decoração

Irmãos Campana e o design brasileiro, e irreverente, de mobiliário que conquistou o mundo

hadigital — Thu, 30 Jun 2016 02:46:31 +0000

Quando pouco se falava em sustentabilidade, Fernando e Humberto, então arquiteto e advogado respectivamente, a conjugaram com um espírito inovador e inconformista e se lançaram no mundo do design criando em 1989 o Estúdio Campana, cuja especialidade era mobiliário. Hoje são os designers brasileiros de maior destaque na atualidade. Seu trabalho não se restringe mais a móveis (a variedade inclui o desenho de sandálias para uma famosa marca) e, desde sua união, os Irmãos Campana mantêm-se como vanguarda do design no Brasil e no mundo.

O que começou como um trabalho de confecção de pequenos objetos de fibras naturais na década de 1980 evoluiu para um processo que envolve criação artística e desenho industrial. As obras dos Irmãos recorrem à reutilização de materiais como plástico bolha, cordas, bonecos de pelúcia, preenchidos de significados ligados à cultura brasileira (como cor e referências folclóricas). Daqui resulta um trabalho de re-significação de objetos utilitários. Cadeiras se tornam peças exclusivas e dignas de exposição artística.

De fato, sua primeira exposição, “Desconfortáveis”, aconteceu em 1989 em São Paulo e apresentou sofás e cadeiras feitos de chapas de ferro, gerando em um primeiro olhar a impressão de serem realmente desconfortáveis. Estava dado o passo para que o trabalho dos Irmãos Campana fosse reconhecido como intrigante e era apenas a primeira mostra de que nas obras do Estúdio a relação observador-objeto seria realmente não convencional. Apesar de inovadora, a exposição não fez o esperado sucesso, que só foi obtido nove anos mais tarde com uma exposição no Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMa), que os alçou ao sucesso internacional.

Os Irmãos retiram elementos de seu contexto natural instigando o observador, estimulam a relação que as pessoas têm com os objetos, tiram-nas da sua zona de conforto e as convidam a experimentá-los. A cadeira Corallo (2003), de aço inoxidável moldado manualmente, parece desafiar a gravidade e convida quem observa imediatamente a uma reflexão: será que ela aguenta? E aguenta. Os designers definem este trabalho como um “rabisco em 3D” e acrescentam, “Nosso trabalho é testar os limites dos materiais para ver o que proporcionam à estética e ao conforto”. O juízo de bonito ou feio é apenas um detalhe, a verdade é que não se fica indiferente frente à obra dos irmãos.

A presença da cor local é outra constante de seu trabalho. Elementos da identidade brasileira sempre permeiam o trabalho dos irmãos, como na cadeira Favela (1991), inspiradas nas favelas de São Paulo, construída através da reutilização de sarrafos de madeiras, ou na cadeira Multidão (2002), confeccionada com bonecas de pano nordestinas que retratam a migração do Nordeste para o Sudeste do Brasil. Seja na escolha da matéria prima, no uso de cores vibrantes ou na reutilização de objetos tradicionais (como as bonecas nordestinas), o trabalho de Humberto e Fernando transpira brasilidade, alçando elementos do cotidiano nacional à categoria de objetos de design.

Convencionou-se dizer que o trabalho que realizam é uma reinvenção da matéria e é o que parece ser: os Irmãos dão novo valor a objetos cotidianos, corda vira cadeira, bambu vira luminária. Elementos quase antagônicos coexistem em sua obra, dando-lhe um caráter único e controverso, conjugando arte e tecnologia, utilitários e objetos de design, local e global, o chic e o kitsch. “Design não é glamour, design é chão de fábrica” sintetiza Humberto. Os Irmãos Campana são vanguarda e se perpetuam assim porque fazem design transformando o ordinário em extraordinário.
Fonte adapatada: obvious.