Fonte adaptada: Limão na Água.

Fonte: Limão na Água

O artista e designer espanhol nasceu em Madri em 1974. Quando adolescente, encantou-se com a cultura do grafitti e do skate, influências que podem ser percebidas em seu trabalho até os dias de hoje. Em 1997, depois de estudar design industrial em Madri e Paris, começou a trabalhar com a lenda da publicidade Oliveiro Toscani na renomada Fabrica, centro de design comandado pela Benetton. Em um curto período de tempo, seu brilhantismo lhe rendeu uma promoção: de estudante a chefe do departamento de design.

Oito anos e muitas experiências depois, Jaime sentiu que já era hora de montar seu próprio negócio. Lançou coleções de toy art, cerâmicas e móveis, também trabalhando com design de interior e instalações. Sua visão de arte singular foi exposta pela primeira vez na mostra “Mediterranean Digital Baroque”, na galeria londrina David Gill. Tratava-se de uma instalação toda executada em cerâmica, um dos grandes talentos de Hayón.

Logo depois veio a mostra “Mon Cirque”, que passou por Frankfurt, Barcelona, Paris e Kuala Lumpur. Essas exposições colocaram Jaime na vanguarda de uma nova escola de artistas que ultrapassavam os conceitos de arte, decoração e design. O movimento gerou uma nova valorização de objetos de design complexos e perfeitamente executados.

O grande conhecimento das técnicas artesanais, somado a uma criatividade única, fez com que Jaime explorasse como poucos os limites dos materiais e objetos, resultando em coleções para clientes tão diversos como ArtQuitect (banheiros), Established & Sons e Moooi (móveis domésticos), Metalarte e Swarovski (luminárias), Berhardt Design (tecidos), Piper Heidsieck (champagnes), Gaia & Gino (vasos) e Bosa Ceramiche (objetos de cerâmica).

Jaime atualmente mora em Londres e tem escritórios em Barcelona e Treviso. Seu trabalho já apareceu nas mais renomadas publicações de arte e design do mundo. Entre os prêmios que já ganhou, estão os de Melhor Instalação pela Icon Magazine, Artista Revelação pela Wallpaper e o Elle Deco International Award em 2006. Em 2008 Jaime foi o artista mais novo da história a ser convidado de honra da Bienal de Interiores da Bélgica.

Fonte: Núcleo Goiano de Decoração

Terceira maior joalheria do mundo, a Tiffany & Co possui uma ampla linha de produtos vendidos em suas lojas, como relógios, artigos de prata, vidros, porcelana, talheres diversos e acessórios de moda. Mas o item de destaque é a Tiffany Lamp, criado pelo Designer Louis Comfort Tiffany por volta de 1895. Ele é composto por diferentes tonalidades de cor do vidro Favrile, que ao ser fundido com óxidos metálicos absorvidos pelo vidro criam um efeito único e luxuoso. Na fabricação, utiliza-se técnicas que envolve a peça em uma fita de cobre para ficar entranhada e soldada entre si .

Deste modo, um simples abajur deixa de ser só mais um objeto de decoração. Através das talentosas e habilidosas mãos de Charles Lewis Tiffany, fundador da famosa joalheria Tiffany & Co, eles se transformaram em um clássico presente em diversos projetos contemporâneos, conferindo elegância e sofisticação. Charles percebeu que a fundição de diferentes vidros poderia resultar em algo para ser admirado por seus consumidores, e o resultado segue atual até hoje. 

Fontes adapatada: casodesucesso.com; mundodasmarcas; abrael e tiffany.com.

As mãos brancas com desenhos azuis são um clássico sem seu trabalho, pois lembram esculturas de mãos tatuadas. São femininas, delicadas e muito elegantes, lembram um pouco a porcelana chinesa e até os trabalhos de azulejaria. Mas este não é, necessariamente, o principal trabalho dela. Para o site História de Casa, a artista declarou: “Pinto o que gosto: cultura urbana, iconografia, santos, tatuagens… Também sou uma mulher de fases, meio bipolar. Gosto do colorido, mas amo preto e branco. Gosto de coisas novas, mas sou fiel a outras que jamais deixei de gostar. Esse contraste se reflete no trabalho e faz dele único”. 

Todo esse talento exuberante proporcionou que ela fosse uma das artistas selecionadas para o Salão do Museu de Arte Moderna da Bahia. Evelyn realizou, também, exposições individuais e teve peças no MuBE – Museu Brasileiro de Escultura. Durante uma de suas mostras, Evelyn reproduziu, nas mãos, desenhos de vários tatuadores brasileiros famosos, como Jotapê Pabst, Gregório Marangoni, Márcio Duarte e outros. Geo Rochha já comercializou a artista e realizará um novo pedido em breve! Confira um pouco mais do trabalho dessa artista na galera abaixo e venha conhecê-lo pessoalmente em nossa Casa GR.

Zanini cria peças com design ousado, irreverente, e não tem medo da versatilidade das formas e materiais: em seu catálogo há produção em madeira, plástico, resíduo florestal e até material reciclado como shape de skate. Foi em 2003 que Zanini começou a produzir móveis em madeira maciça, usando peças de demolição – colunas, vigas e mourões de casas antigas–, chamadas por ele de Carpintaria Contemporânea. A partir de 2005, dedicou-se a uma nova linha de móveis. Esse trabalho contou com com peças produzidas industrialmente, que utilizava, além de madeira certificada, plástico, metacrilato, que é usado até para impressão de fotografias contemporâneas, metais e pedaços de diversos produtos produzidos em escala industrial. Com a necessidade de representar essa nova linha, Zanini criou, em 2009, a Döiz Design; algum tempo depois criou a Punch Design; e, finalmente, o Studio Zanini, em 2011.

O jovial designer, aos 38 anos, já recebeu os mais importantes prêmios de Design do Brasil pelos móveis que criou nos dois segmentos e expôs nos principais eventos nacionais e internacionais da área. Atualmente, seu nome assina peças para grandes marcas nacionais e internacionais, a exemplo da francesa Tolix,  e das italianas Slamp e Discipline. Em 2011, foi convidado por Giulio Cappellini, um dos nomes mais importantes do Design em todo o mundo, e diretor da Cappellini (Itália), para colaborar com a Cappellini, que é, apenas, uma das 5 marcas de móveis mais importantes que há. Em 2012, foi responsável pela curadoria da parte contemporânea do Brazilian Design: Modern and Contemporary Furniture, em Berlin, na Galeria Zeitlos; e do Mude Museum (Museu da Moda e Design), em Lisboa.

Prêmios:
2012 – IF Awards Hannover
2012 – Menção Honrosa_Salão Movel Sul
2011 – Menção Honrosa_Salão Casa Design
2010 – Prêmio IDEA BRASIL – INOVAÇÃO
2010 – Prêmio IDEA OURO BRASIL
2010 – 1º lugar_Museu da Casa Brasileira
2009 – Prêmio Jovem Talento_ARC DESIGN
2009 – 1º lugar_Salão Casa Design
2009 – 2º lugar_Museu da Casa Brasileira
2008 – Prêmio Artefacto de Design
2008 – 1º lugar_Planeta Casa_Casa Claudia
2008 – Menção Honrosa_Museu da Casa Brasileira
2007 – 1º Lugar_Planeta Casa_Casa Claudia
2005 – Menção Honrosa_ Prêmio Maurice Valansi_Museu das Cadeiras
2004 – 2º lugar_Prêmio Liceu de Design da Bahia
2003 – Menção Honrosa_Prêmio Rio Design Center
2003 – 1º lugar_Prêmio Plasticidade_ PLÁSTICO + DESIGN
2002 – 1º lugar_Prêmio Liceu de Design da Bahia_Estudante

Fotos: Páprica Fotografia

Calu é uma paulistana super simpática e sofisticada. O seu trabalho não fica para trás: as peças são extremamente delicadas, têm uma pegada feminina, ao mesmo tempo é que são super sofisticadas, têm algo de regional, de acolhedor. As peças têm grafismos que misturam motivos da natureza com mandalas, orixás e imagens das artes clássicas, por exemplo. E esse caleidoscópio imagético vem colorindo vasos, azulejos, painéis, pias, pratos, copos. Chegou a colorir, também, uma coleção de sapatilhas da marca Anacapri, do grupo Arezzo. A artista confessa desejo de lançar uma linha de tecidos. Cada peça é confeccionada sobrepondo pinturas à mão e decalques. Calu tem o elegante hábito de, durante a criação, admirar as plantas e ouvir uma música – e aí, talvez, esteja o motivo de tanta beleza em seu trabalho.

A escritora foi moradora do Leme durante 12 anos. A ideia de homenageá-la neste bairro surgiu da professora de literatura Teresa Monteiro, biógrafa de Clarice, e contou com o apoio de pessoas como a atriz Beth Goulart, que representou a escritora no teatro, e Edgar Duvivier, que fez 40 mini esculturas de Clarice, vendidas para custear a obra principal. No meio do caminho, porém, não havia uma pedra, mas ladrões: 11 mini esculturas foram furtadas de uma marmoraria em São Cristovão, mas isso não foi impedimento para o trabalho seguir adiante.

Realizou diversas mostras individuais em São Paulo. Participa de exposições coletivas no Brasil e no exterior (Alemanha, Suécia, Venezuela, Holanda, Portugal e Estados Unidos), com destaque para as mostras MAM na OCA, Arte Brasileira do Acervo do Museu de Arte Moderna de São Paulo – MAM/SP, em 2006 e Modernos, Pós-Modernos, 80/90, em 2007, no Instituto Tomie Ohtake, também em São Paulo. Raiss ingressa nas artes através do desenho, para em seguida ganhar o espaço: “o desenho me levou à escultura, que surgiu como uma necessidade, como uma vontade de materializar figuras que eu tinha em mente.” Para seus trabalhos tridimensionais, Raiss lança mão de diversos materiais, como bronze, argila policromada e baixo esmalte. Tanto no desenho quanto na escultura, estão presentes os homens quadrúpedes, a temática erótica, a figuração inscrita numa certa atmosfera fantástica ou bizarra.

A historiadora da arte Aracy Amaral aponta um realismo doce, de clima insinuantemente perverso, nos personagens monstruosos de Florian Raiss. O curador Emanoel Araújo, por sua vez, enxerga nessas mesmas personagens animalescas sugestões do homem e dos seus desejos mais profundos e obscuros. Já o crítico Fernando Oliva identifica na obra de Raiss um dos assuntos por excelência da escultura barroca: o embate civilização versus natureza. E, ainda, a imposição da cultura versus a resistência do primitivo; a disputa entre a necessidade de contenção, de um lado, e o desejo animal e incontrolável, de outro.

A produção de Raiss é marcada pela possibilidade do surgimento inesperado do fantástico, na qual é impossível isolar tanto o real do imaginário, quanto o passado do presente. Disso decorrem não somente os seres fantásticos, mas também a evocação da arte grega em desenhos e peças feitas com baixo esmalte.

Fonte (adaptada): Escritório de Arte.com.

Desenhava muito, inclusive, a pedido de Oscar Niemeyer. Sérgio sempre projetou móveis com muita personalidade. Há aqueles com características mais masculinas, outras peças mais femininas; peças formais, informais… Ele conseguia conferir vida às peças.

Junto com Joaquim Tenreiro e José Zanine Caldas, foi o pioneiro a transformar o design Brasileiro em design industrial e torná-lo conhecido mundialmente. Pode-se dizer que foi mais do que o criador do mobiliário moderno brasileiro, ele foi aquele que possibilitou a criação deste mobiliário que mescla artesanal e industrial, em curvas e/ou retas, proporcionando prazer estético e sensorial aos que partilham de alguma experiência com suas peças.

Tinha uma compreensão muito mais ampla do conceito de viver. Para ele, “arquitetura não é só a casca, isso daí eu vim aprender depois. Arquitetura tem que ser uma coisa completa, com os equipamentos do interior, inclusive. Eu falei uma vez a Lucio Costa: casa, que não tem um estudo do interior, eu chamaria de estrutura. Um ambiente deste vazio é uma estrutura”, afirmou em vida.

Curioso que a Poltrona Mole, uma das mais emblemáticas peças de Sergio, ficou um ano exposta na Oca, loja dele, sem nenhum comprador. A poltrona foi uma encomenda do fotógrafo Oto Stupakoff, que queria um sofá “preguiçoso” para o seu estúdio. E como foi que Sergio se tornou o brasileiro mais conhecido mundialmente no design de mobiliário, cuja Poltrona Mole segue exposta no MoMa (Museum of Modern Art), em Nova Iorque?

Segundo ele, “a arquitetura brasileira era super valorizada no estrangeiro. Aí eu resolvi dizer: e o mobiliário? E o mobiliário dessa coisa toda? A arquitetura tudo bem, mas o mobiliário? Não tinha na época alguma coisa que representasse o Brasil nesse sentido, e aí eu resolvi mergulhar nesse assunto, porque é a minha paixão… Madeira, móvel…”. Assim, em mais de 50 anos de carreira, desenhou, projetou e executou mobiliário de interiores clássicos, que são replicados em diversos projetos contemporâneos até hoje em dia.